戈登·马塔-克拉克，20世纪70年代美国最具影响力的艺术家之一，他的职业生涯虽然短暂但具有无以伦比的开创意义。他所涉及项目的宏大目标和规模，它们对于城市风景的毫不畏惧的重现，挑战了城市居民的观念，促使它们重新审视建筑结构的概念，以及那些看似不容置疑的大厦的脆弱性。他的作品持续吸引了来自不同范畴的追随者，包括艺术界、建筑界、街头文化以及饮食界。

　　马塔-克拉克是智利籍超现实主义画家罗伯特·马塔与美国艺术家安娜·克拉克之子，也是杜尚的教子。1962-1962年在法国巴黎修习法国文学，1968年，马塔-克拉克毕业于康奈尔大学建筑系，很快他便移居纽约，并开始在此展开创作。马塔-克拉克最早的干预发生在被遗弃的建筑之中，他在其中进行他那广为人知的“建筑切割”和“交叉”。这些作品就是对城市景观的一次实实在在的“解剖”，他将建筑物分割开，然后将残余的构造作为展品展出。

　　他的许多创作都发生在纽约的南布朗斯克区，当时正值经济的大衰退而导致许多中产阶级迁居至郊外，因此有大量被废弃的楼房，这样的环境给予马塔-克拉克众多可以用于创作的素材，他在这期间创作的作品《Bronx Floors》成为了艺术家实践中最具标志性的代表作，而后来也发展成更为宏大的项目，比如《Conical Intersect》。

　　作品《一日尽头》(Day’s End,1975)——是艺术家在哈德逊河下游西岸的一个仓库上演的非法切割，艺术家在创造某种边缘。

　　1975年马塔-克拉克的主要项目名为圆锥相交(Conical Intersect)，另外一系列作品创作于巴黎的地下空间，它们消解了七十年代对大部分特定场地作品的既有知识，也就是说，在接受问题上，作品能够坚持贴近本地社群，离不开作品地点的公共性。相反，人群的分散和现场的消失，成为玛塔-克拉克的很多作品中的生成原理，也是他的批判对象。为了达到这些目的，洞的形式起着至关重要的作用。

　　而在今天，东京的经济处在萎缩的趋势中，而马塔-克拉克令人鼓舞、前卫和诗意的创作概念将会提供多方面的线索让日本的观众思考生活的意义。因此日本东京国立近代美术馆的个展“戈登·马塔-克拉克：空间异变”（Gordon Matta-Clark: Mutation in Space）展出了他近200件作品，包括雕塑、录像、摄影、绘画以及与马塔-克拉克大型回顾展的作品有关的文献。

　　作品《》（splitting）以摄影、照片拼贴、观念等形式呈现，检视了作者在城市纹理下的创作意图。

　　空间是人类相遇互动及精神、机制管、意识形态交杂的场域。具体展现人类思想，马塔-克拉克在日常生活的城市空间场景里，寻找艺术的想象，并以身体行动介入空间的艺术实践，不管是颠覆、讽刺现实的“实体所有权：不动产赝品”系列观念性文件或者是打破固定空间思考、追寻新感知的“”系列，艺术家都反转了一般对空间制式化的认知，看见阅读空间的多重可能，充分点出空间是人类心灵感知的体现，充满能动性和创造性，并且空间可能是压迫的所在，也是抵抗和批判的最佳位置。

　　展览现场还再现了石膏固定了的马塔-克拉克在街道上搜集到的垃圾，作品《垃圾墙》。并且还有大量摄影记录作品以及艺术家创作生涯中期才开始创作的《food》系列。

　　除了对现代主义建筑的探索外，马塔-克拉克亦对涂鸦艺术在大众中的传播十分着迷。尽管涂鸦艺术早已起源于古代，但其真正在战后成为了一种全球性的现象，特别是在较为贫穷和后工业化的社群之中。涂鸦仿佛就像是对城市发展冷酷蔓延的反击，成为了年轻人表达自我，反抗从众心态和建筑学权威的手段。

　　而已故艺术家马塔-克拉克在美术馆馆内进行大型回顾展的难点在于，艺术家的作品多创作于街头，并以实际建筑物为创作素材，因此将如此大体量的作品还原在美术馆中，是一个极大的挑战，但美术馆为了让观众能够与展品之间产生空间的关系，而特意在现场设置一些隔断，这些隔断另一方面也将艺术家不同媒介的作品区分开来。

　　虽然艺术家已去世50年，但其对艺术领域依旧产生着巨大影响，而在东京2020年奥运会即将到来之际，艺术家作品所带来的这种城市之间的空间关系，更加引发人们的思考。